Ein mutiger, aber notwendiger Schritt
Mahalia Jackson, die unbestrittene Königin des Gospels, sah sich während ihrer gesamten Karriere einer großen Herausforderung gegenüber, die das Schicksal vieler künstlerischer Pioniere geprägt hat: Skepsis und manchmal sogar völlige Ablehnung durch diejenigen, die am stärksten mit ihrer musikalischen Tradition verbunden waren. Vor allem unter leidenschaftlichen Gospelhörern, Fans und sogar Musikern stieß ihre progressive musikalische Entwicklung auf Misstrauen. Das Publikum, das zu dieser Zeit oft nur mit Gospel oder Blues vertraut war, empfand Mahalias Vorstoß in neues musikalisches Terrain als beunruhigend. Allein der Schritt in unbekanntes Terrain reichte aus, um erheblichen Widerstand hervorzurufen.
Die größte Befürchtung der Kritiker war, dass Mahalia sich einem völlig anderen Genre zuwenden und damit ihre tief verwurzelten Gospel-Wurzeln verraten würde. Diese Annahme erwies sich jedoch als unbegründet. Was Mahalia Jackson tatsächlich tat, war keine Abkehr, sondern eine künstlerische Erweiterung und Bereicherung. Sie integrierte subtile Elemente und Nuancen, die ihr Repertoire nicht nur ergänzten, sondern es auf eine Weise weiterentwickelten, die sie von der großen Mehrheit der Gospelmusiker abhob. Dies war nicht nur ein mutiger Schritt, sondern auch ein visionärer, der ihren außergewöhnlichen Status festigte.
Ein wesentlicher Aspekt, der Mahalia Jacksons Musik so einzigartig machte, war ihre außergewöhnliche Fähigkeit zur Improvisation. Sie hatte nicht nur die Gabe, Texte und deren emotionalen Gehalt stimmlich zu interpretieren, sondern diese durch ihre Darbietung auch zu verdeutlichen und zu vertiefen. Für Mahalia hatte Ausdruck immer Vorrang vor musikalischen Konventionen. Sie nutzte ihre Stimme, um die Botschaft des Gospels auf ehrliche und sehr persönliche Weise zu vermitteln, wobei sie oft von strengen musikalischen oder stimmlichen Regeln abwich. Und genau das machte ihren Gesang so einzigartig!
Diese emotionale Tiefe und Interpretationsfreiheit waren revolutionär.
Es ist bemerkenswert, dass Mahalia Jackson keine musikalische Ausbildung nach konventionellen Maßstäben genossen hatte. Sie tat alles instinktiv, was ihrer Musik eine individuelle, natürliche Note verlieh – eine Eigenschaft, die lebendiges Musizieren auszeichnet. Es war diese Authentizität und Unmittelbarkeit, die ihre Darbietungen so bewegend und unvergleichlich machte. Besonders bemerkenswert ist, wie Mahalia Jackson ihre Individualität, ihren unverwechselbaren Stil, ihren einzigartigen Klang und ihre Art zu singen auch innerhalb der oft strengeren Strukturen von Orchesterarrangements bewahrte. Sie ließ sich von niemandem in ihrer künstlerischen Herangehensweise beeinflussen und behielt ihre authentische Interpretation bei, die ihre Darbietungen auch in einem größeren Kontext unverwechselbar machte.
Parallelen zu musikalischen Visionären
Mahalias mutiger Ansatz lässt sich in der Tat mit dem Werk anderer musikalischer Visionäre vergleichen, die ebenfalls mit Konventionen brachen und neue Ausdrucksformen schufen. Hier lassen sich Parallelen zu Persönlichkeiten wie Johann Sebastian Bach in der Barockzeit oder Arnold Schönberg in der Moderne ziehen. Bach beispielsweise entwickelte, obwohl er tief in der Tradition der Kirchenmusik verwurzelt war, die Polyphonie und den Kontrapunkt in einer Weise weiter, die die Erwartungen seiner Zeit weit übertraf und die Musiksprache nachhaltig prägte. Seine Kompositionen waren oft komplexer und anspruchsvoller, als es das Publikum seiner Zeit gewohnt war.
Arnold Schönberg wagte einen noch radikaleren Bruch. Er entwickelte die Zwölftontechnik und die Atonalität, die eine völlige Abkehr von den bis dahin geltenden harmonischen Prinzipien darstellten. Auch er stellte seine künstlerische Freiheit über den allgemeinen Geschmack und die musikalischen Konventionen seiner Zeit, was ihm zunächst heftige Ablehnung einbrachte, später jedoch Anerkennung als einer der bedeutendsten Komponisten des 20. Jahrhunderts.
Wie Bach und Schönberg stellte Mahalia Jackson ihre künstlerische Freiheit und ihren persönlichen Ausdruck über die starren Erwartungen und musikalischen Konventionen ihres Genres, auch wenn sie zunächst von Irving Townsend überzeugt werden musste. Sie bewies eine außergewöhnliche Fähigkeit, sich an diese neue musikalische Richtung anzupassen, ohne ihre tief verwurzelte Identität oder ihre unverwechselbare musikalische Individualität aufzugeben. Im Gegenteil, durch diese Fusion schuf sie ihr eigenes Genre innerhalb der Gospelmusik, das bis heute nachhallt. Sie verkörperte die seltene Fähigkeit, Innovation und Tradition harmonisch zu verbinden, und bewies eindrucksvoll, dass wahre Kunst keine starren Grenzen kennt.
Mahalias bemerkenswerte Fähigkeit, sich ständig weiterzuentwickeln und dabei ihrem künstlerischen Kern treu zu bleiben, ist ein leuchtendes Beispiel dafür, wie man die Vergangenheit würdigt und gleichzeitig mutig neue Wege beschreitet. Ihre musikalische Reise ist ein Vermächtnis, das uns lehrt, dass Wachstum und Authentizität untrennbar miteinander verbunden sein können.
Bedenken, Herausforderungen und Anpassungen
Der Übergang zum Spielen mit einem großen Orchester war für Mahalia nicht einfach. Sie war es gewohnt, mit kleineren Gruppen zu arbeiten, die spontan auf ihre musikalischen Entscheidungen reagierten. Ein Orchester hingegen erforderte mehr Struktur und Disziplin, was ihre Freiheit, spontan zu improvisieren, einschränkte. Da sie keine Noten lesen konnte und daher einer Partitur nicht folgen konnte, waren die Proben sehr schwierig.
Mahalias langjährige Klavierbegleiterin Mildred Falls spielte eine entscheidende Rolle dabei, die Kluft zwischen Mahalias traditionellem Gospelstil und den Orchesterarrangements zu überbrücken. Mildred Falls verstand Mahalias musikalischen Ansatz intuitiv und war in der Lage, ihre Phrasierung und ihren rhythmischen Ansatz am Klavier zu antizipieren und zu unterstützen. Mit anderen Worten: Sie wusste genau, wie Mahalia gerne Musik machte. Außerdem war sie in der Lage, vom Blatt zu spielen und die Orchesterarrangements vorab mit Mahalia zu proben. So konnte sich Mahalia schneller in ihre neue Umgebung mit dem Orchester einfinden. Die Arrangeure achteten auch darauf, die Arrangements genau auf Mahalias Stimme und Interpretationen abzustimmen.
Gemischte Reaktionen auf die Orchesteraufnahmen
Mahalias Orchesteraufnahmen wurden von Kritikern und Fans zunächst mit gemischten Gefühlen aufgenommen. Einige begrüßten die Erweiterung ihres Klangs und die Möglichkeit, ein breiteres Publikum zu erreichen. Andere kritisierten den vermeintlichen Verlust an Authentizität und die Kommerzialisierung ihrer Musik. Mahalia selbst äußerte sich ambivalent zu ihren Orchesteraufnahmen, da sie die Intimität und Spontaneität ihrer früheren Aufnahmen mit kleineren Ensembles vermisste. Andererseits sah sie die Chancen, die sich daraus ergaben, und die Anerkennung ihrer Fähigkeiten.
Als Mahalia ihre Aufnahme mit Percy Faith zum ersten Mal hörte (was sie nicht unbedingt nach jeder Aufnahme tat), sagte sie, dass es wahrscheinlich das Beste war, was sie je gemacht hatte. Ich glaube, sie erkannte, wozu sie fähig war. Sie war nun auch eine großartige Konzertsängerin, mit einem Orchester. Etwas, das sie bisher nur von ihren Platten kannte und bewunderte. Und nun war sie Teil davon. Es verlangte ihr viel ab, aber sie schuf etwas, das bis heute einzigartig ist! Mahalias Gesang ist ihr eigener Stil, ihr eigenes Genre, ihr eigener Maßstab. Die Befürchtungen und Kritiken waren unbegründet, denn Mahalia gab ihren persönlichen Stil nicht auf, sondern erweiterte ihn einfach um etwas anderes, etwas Großartiges. Irving Townsends Plan, mit diesen Aufnahmen ein breiteres Publikum zu erreichen, ging ebenfalls auf.
Es wird oft beobachtet, dass klassische Sänger, die kommerziellen Erfolg anstreben, sich der Popmusik zuwenden. Dies führt häufig zu einer Verringerung sowohl der stimmlichen als auch der musikalischen Qualität. Bei Mahalia war es genau umgekehrt! Sie musste ihr gesamtes Potenzial ausschöpfen und sogar darüber hinausgehen, um diese Aufnahmen zu machen. Sie ermöglichten ihr eine enorme Reifung als Musikerin.
Marty Paich,
Marty Paich wurde am 23. Januar 1925 in Oakland, Kalifornien, als Martin Louis Paich geboren und starb am 12. August 1995 in Santa Ynez, Kalifornien. Er war ein US-amerikanischer Jazzpianist, Komponist, Arrangeur und Produzent von Modern Jazz und West Coast Jazz. Während seiner fünfzigjährigen Karriere arbeitete Marty Paich mit Künstlern wie Frank Sinatra, Barbra Streisand, Sarah Vaughan, Stan Kenton, Ella Fitzgerald, Mahalia Jackson, Mel Tormé, Ray Charles, Aretha Franklin, Linda Ronstadt, Stan Getz, Sammy Davis Jr., Michael Jackson, Art Pepper und vielen anderen zusammen.
Die intensive Zusammenarbeit zwischen Marty Paich und Mahalia Jackson war insofern bemerkenswert, als Paich, der hauptsächlich im Jazz- und Popbereich tätig war, seine Aufmerksamkeit auf Gospelmusik richtete und Mahalias kraftvolle Stimme und ihren emotionalen Gesang in einem neuen musikalischen Licht präsentierte. Paichs Arrangements waren orchestral und hatten teilweise einen spätromantischen Ton, der die spirituelle Tiefe der Musik unterstrich. Aus ihrer Zusammenarbeit entstanden bemerkenswerte Alben wie Garden of Prayer (1966) und Christmas with Mahalia (1968). Diese Alben sind Zeugnisse dieser einzigartigen Zusammenarbeit und zeigen, wie zwei unterschiedliche Musikwelten zusammenkommen können, um etwas Neues und Bewegendes zu schaffen.
Marty Paich war ein vielseitiger amerikanischer Musiker. Er begann seine musikalische Laufbahn mit dem Akkordeonspiel, bevor er sich dem Klavier zuwandte. Seine Ausbildung führte ihn an verschiedene Colleges und Universitäten, darunter das Chapman College, die San Francisco State University, die University of Southern California und das Los Angeles Conservatory of Music. Um sein musikalisches Wissen zu vertiefen, nahm er Privatunterricht bei renommierten Musikern wie Mario Castelnuovo-Tedesco und Arnold Schönberg! (Eine interessante Parallele zu William „Bill“ Russell, der ebenfalls bei Arnold Schönberg studierte).
Seine Karriere begann als Arrangeur und Pianist für das Gary Nottingham Orchestra. Während des Zweiten Weltkriegs diente er in der US-Luftwaffe, wo er verschiedene Bands zur Unterhaltung der Truppen leitete. Nach dem Krieg kehrte er in die Musikszene von Los Angeles zurück und arbeitete an Soundtracks für Animationsfilme. Außerdem begleitete er die berühmte Sängerin Peggy Lee und spielte mit den Shorty Rogers Giants.
In den 1950er Jahren war Paich eine Schlüsselfigur der Jazzszene an der Westküste und arbeitete in den berühmten Studios Hollywoods. Er arrangierte und produzierte zahlreiche Alben für bekannte Jazzmusiker wie Ray Brown, Ella Fitzgerald, Terry Gibbs, Stan Kenton, Shelly Manne, Anita O'Day, Dave Pell, Art Pepper, Buddy Rich, Jeri Southern, Shorty Rogers und Mel Tormé.
In den 1960er Jahren erweiterte Paich sein musikalisches Spektrum und wandte sich der Unterhaltungsmusik zu. Er arbeitete mit einer Vielzahl von Künstlern zusammen, darunter Andy Williams, Al Hirt, Dinah Shore, Ray Charles und Sammy Davis Jr. Er leitete ein Studio-Orchester, das in beliebten Fernsehsendungen wie „The Glen Campbell Goodtime Hour“, „The Smothers Brothers Comedy Hour“ und „The Sonny and Cher Show“ auftrat. Er war auch ein liebevoller Lehrer und Mentor für seinen Sohn David Paich, der später in der erfolgreichen Rockband Toto spielte.
In den 1980er und 1990er Jahren war Paich ein gefragter Arrangeur und arbeitete mit internationalen Stars wie Barbra Streisand und Michael Jackson zusammen. Er war auch in der Filmindustrie tätig und an bekannten Projekten wie Grand Canyon, The Killer Brigade, Pretty Woman und Prince of Tides beteiligt.
Ein Höhepunkt seiner Karriere war 1991, als er das Los Angeles Philharmonic Orchestra bei dem legendären letzten öffentlichen Auftritt von Sarah Vaughan im Hollywood Bowl dirigierte. Danach zog er sich auf seine Ranch in Santa Ynez zurück, wo er nur noch gelegentlich an Musikprojekten arbeitete, beispielsweise mit der Queen of Soul, Aretha Franklin.
Percy Faith
Mahalia Jacksons Zusammenarbeit mit Percy Faith auf dem Album „The Power and the Glory” aus dem Jahr 1960 ist ein faszinierendes Beispiel dafür, wie Mahalias kraftvoller Gospelsgesang mit Orchesterarrangements verschmolzen werden konnte. Diese Zusammenarbeit war Teil eines umfassenderen Trends in Mahalias Karriere, nachdem sie 1954 zu Columbia Records gewechselt war, wo das Label versuchte, ihren Sound einem breiteren Publikum zugänglich zu machen. Wie bereits erwähnt, zögerte Mahalia zunächst sehr, mit einem Orchester aufzunehmen. Sie war an die Flexibilität und Spontaneität kleinerer Ensembles gewöhnt, die ihren improvisatorischen Stil unterstützten. Die strukturierte Umgebung einer Orchesteraufnahme stellte eine große Herausforderung für ihre gewohnte musikalische Herangehensweise dar.
Percy Faiths Professionalität
Seine Arbeitsmoral im Studio, die sich durch Disziplin und hohe Qualitätsstandards auszeichnete, beeindruckte Mahalia. Sie beschrieb ihn als „sehr strengen Mann“ und betonte, dass es während der Aufnahmen keinen „Unsinn“ gab. Diese professionelle Herangehensweise ermöglichte eine effiziente und konzentrierte Zusammenarbeit.
"The Power and the Glory" - Ein Erfolg
Trotz anfänglicher Vorbehalte war Mahalia mit dem Ergebnis der Zusammenarbeit sehr zufrieden. Sie lobte „The Power and the Glory“ als eines ihrer besten Alben. Faiths Arrangements verliehen ihrem Gesang eine neue Dimension, indem sie die emotionale Intensität ihrer Stimme mit orchestraler Opulenz unterstrichen.
Anhaltende Ambivalenz
Obwohl Mahalia die Qualität von „The Power and the Glory“ erkannte, hatte sie weiterhin gemischte Gefühle gegenüber Orchesteraufnahmen. Sie vermisste die Intimität und Spontaneität, die ihre früheren Gospelaufnahmen mit kleineren Ensembles auszeichneten.
Duke Ellington (Edward Kennedy Ellington)
(April 29, 1899 in Washington, D.C. – May 24, 1974 in New York City)
Eine musikalische und persönliche Verbindung
Duke Ellington war eine zentrale Figur in der Entwicklung des Jazz. Er trug maßgeblich zur Popularisierung des Swing bei und etablierte die Big Band als eine der wichtigsten Formationen im Jazz. Seine Kompositionen zeichnen sich durch ihre melodische Vielfalt, harmonische Raffinesse und rhythmische Komplexität aus. Viele seiner Stücke, wie „Take the 'A' Train“, „Mood Indigo“ und „Sophisticated Lady“, wurden zu unvergesslichen Jazz-Standards.
Duke Ellington war ein Bewunderer von Mahalias Talent und erkannte ihre Bedeutung als Schlüsselfigur im Gospelgesang. Ihre Verbindung begann in den frühen 1950er Jahren, noch bevor sie sich persönlich trafen, als Ellington Mahalia nach ihrer Hysterektomie einen Obstkorb schickte. Ellington musste Mahalia zwei Jahre lang überreden, mit ihm zusammenzuarbeiten. Erst als er Mahalia seine Idee vorstellte, den 23. Psalm zu vertonen, willigte sie ein.
Die berühmteste Zusammenarbeit zwischen Mahalia und Duke Ellington fand 1958 statt, als sie gemeinsam an dem Stück „Come Sunday” aus seinem Werk „Black, Brown and Beige” arbeiteten, sowohl im Studio als auch beim Newport Jazz Festival. Dieses Projekt führte zu gegenseitiger Wertschätzung und Freundschaft.
The Artists Society of America
Ein Beispiel für Ellingtons Engagement für Mahalia Jackson ist seine Entscheidung, sie 1953 zur Vizepräsidentin der Artists Society of America (ASA) zu ernennen. Die ASA war eine gemeinnützige Organisation, die von Ellington gegründet wurde, um junge schwarze Künstler in der Unterhaltungsindustrie zu unterstützen. Mahalias Position in der ASA unterstreicht nicht nur Ellingtons Respekt für ihr Talent, sondern auch ihr gemeinsames Interesse an der Förderung der Karrieren schwarzer Künstler. Er bezeichnete sie als „Königin des Gospel” und erkannte die Kraft und den Einfluss ihres Gesangs an. Ellingtons Humor kommt besonders in seinen Memoiren Music is My Mistress zum Ausdruck, in denen er Mahalias Kochkünste ebenso lobte wie ihr Gesangstalent. Diese Anekdote veranschaulicht die persönliche Herzlichkeit und den Respekt, die ihre Beziehung prägten.
Mahalias Einfluss auf Ellingtons Musik
Obwohl sie erst nach zwei Jahren zustimmte, den spirituellen Teil von „Black, Brown and Beige“ zu singen, war er von Anfang an überzeugt, dass sie die ideale Sängerin für dieses Stück war. Ellingtons Entscheidung, 1970 ein Tongedicht mit dem Titel „Portrait of Mahalia Jackson“ in seine New Orleans Suite aufzunehmen, unterstreicht den bleibenden Eindruck, den Mahalia auf ihn gemacht hatte.
Mahalias Auftritte beim Newport Jazz Festival
Ihre Auftritte beim Newport Jazz Festival waren ein weiterer Aspekt ihrer Verbindung zu Ellington. Sie trat dort 1957 und 1958 auf, einmal zusammen mit dem Duke Ellington Orchestra. Diese Auftritte trugen dazu bei, Mahalias Bekanntheitsgrad in der Jazzszene zu steigern und zeigten die Vielseitigkeit ihres Gesangs, der im Gospel-Kontext ebenso beeindruckend war wie im Jazz.
Fazit
Die Beziehung zwischen Mahalia Jackson und Duke Ellington war geprägt von gegenseitigem Respekt, Bewunderung und musikalischer Synergie. Ihre Zusammenarbeit bei „Black, Brown and Beige” ist nur ein Beispiel für ihre künstlerische Verbindung. Ellington erkannte Mahalias Bedeutung als „Königin des Gospel” und förderte aktiv ihre Karriere. Mahalias Einfluss auf Ellington zeigt sich nicht nur in ihren gemeinsamen Projekten, sondern auch in dem Tondichtungszyklus, den er ihr widmete. Die beiden Musikgrößen schlugen eine Brücke zwischen Gospel und Jazz!
Mitch Miller 1911-2010
Miller war eine Schlüsselfigur in Mahalia Jacksons Karriere, insbesondere im Zusammenhang mit ihrem Wechsel zu Columbia Records.
Ursprünglich war er klassischer Oboist, wurde dann aber Pop-Produzent. Bevor er zu Columbia kam, war er Leiter der Abteilung Artists and Repertoire (A&R) bei Mercury. Mitch Miller lehnte die traditionelle 32-taktige Songform ab und verwendete „Hybridinstrumente”. Hybridinstrumente sind Musikinstrumente, die aus Elementen verschiedener anderer Instrumente bestehen. Sie können eine Kombination aus akustischen und elektronischen Komponenten sein oder aus Teilen von zwei oder mehr verschiedenen Arten traditioneller Instrumente bestehen. Hybride Instrumente entstehen oft aus dem Wunsch heraus, neue Klangfarben und Ausdrucksmöglichkeiten zu schaffen. Sie können jedoch auch aus praktischen Gründen entwickelt werden, beispielsweise um die Vorteile verschiedener Instrumente in einem einzigen Instrument zu vereinen.
Beispiele für „Hybridinstrumente“: Die elektrische Violine, eine Violine mit einem elektrischen Tonabnehmer, die über einen Verstärker gespielt werden kann. Das Theremin, ein elektronisches Instrument, das ohne Berührung gespielt wird. Die Duduk, eine armenische Oboe, die oft mit einem elektronischen Effektgerät gespielt wird, um ihren Klang zu verändern. Hybride Instrumente sind ein wichtiger Bestandteil der zeitgenössischen Musik und werden oft in experimentellen und improvisierten Kontexten eingesetzt. Sie können jedoch auch in der traditionellen Musik eine Rolle spielen, beispielsweise wenn Musiker nach neuen Möglichkeiten suchen, ihre Instrumente zu spielen. Jerry Wexler, Chef von Atlantic Records, bezeichnete Miller als „den ersten großen Plattenproduzenten der Geschichte“.
Es wird berichtet, dass Mitch Miller die Songs für Mahalias Aufnahmen mit einem 30- bis 35-köpfigen Orchester arrangierte, komplett mit Streichern, Blechbläsern und Holzbläsern. Das tatsächliche Studioorchester war jedoch kleiner. Das kleinere Ensemble wurde wahrscheinlich aus Kostengründen gewählt und nicht, weil Miller es so wollte.
Hidle Brown Barnum (b.15. Juli 1936 in Houston, Texas)
Music producer, instrumentalist, singer, and arranger.
Als Kind arbeitete Barnum als Schauspieler in Film und Fernsehen. 1955 gründete er auf Wunsch des Labelbesitzers Dootsie Williams von Dootone Records die Doo-Wop-Gruppe The Dootones. Ihre einzige Veröffentlichung war „Teller of Fortune“, danach löste sich die Band auf. 1956 ersetzte er Bobby Nunn bei den Robins, die er auch teilweise produzierte. Bis 1961 sang er auf zwölf Platten der Robins für die Labels Whippet Records, Knight Records, Arvee Records und Gone Records. Neben seiner ersten Solo-Single „Blue Moon“ bei Imperial Record und seiner Arbeit als Studiomusiker, beispielsweise als Schlagzeuger auf Dorsey Burnettes Rockabilly-Klassiker „Bertha Lou“, produzierte er verschiedene Künstler, darunter die Nummer-5-Hits „Tan Shoes“ und „Pink Shoelaces“ im Jahr 1959.
Seinen ersten Chart-Einstieg schaffte er 1960 mit dem Instrumentalstück „Lost Love“ bei Eldo Records. Dieser Erfolg führte zu einem Vertrag mit RCA Records, wo er sein erstes Album „The Big Voice of Barnum“ veröffentlichte. Obwohl er weiterhin eine Reihe eigener Platten herausbrachte, trat seine Arbeit als Arrangeur und Produzent in den Vordergrund. Der Wechsel zu Capitol Records im Jahr 1965 war angesichts seines wachsenden Rufs der logische nächste Schritt. Zusammen mit seinem Kollegen David Axelrod entwickelte er einen orchestralen Jazz-Funk-Sound, der in den folgenden Jahrzehnten einen großen Einfluss haben sollte. Er produzierte Aufnahmen von Musikern wie Frank Sinatra, Count Basie, Etta James, Little Richard, Aretha Franklin, Lou Rawls und The Supremes.
Mitte der 1970er Jahre wechselte Barnum zum Fernsehen, wo er Musik für Serien und Werbespots komponierte und produzierte. Er gründete den H. B. Barnum's Life Choir, ein Gospelensemble, mit dem er regelmäßig bei Gottesdiensten in der St. Paul's Baptist Church in Los Angeles auftrat.
Er arrangierte die Musik für Mahalias Album.
"What The World Needs Now“CBS 1969
Richard Hazard 1921 - 2000
Richard Hazard, geboren am 2. März 1921 in Trenton, New Jersey, war ein äußerst produktiver und vielseitiger amerikanischer Komponist, Orchestrator, Dirigent und Songwriter. Seine jahrzehntelange Karriere hatte einen bedeutenden Einfluss auf die Musiklandschaft des amerikanischen Fernsehens und Films. Er starb am 20. Dezember 2000 in Los Angeles, Kalifornien, an Krebs. Hazard war von 1950 bis zu seinem Tod mit Jeanne Taylor verheiratet und hatte zwei Kinder. Sein Privatleben schien eine stabile Grundlage für seine umfangreichen beruflichen Aktivitäten zu bilden.
Umfangreiche Tätigkeit als Komponist
Richard Hazards Talent als Komponist war breit gefächert und umfasste sowohl Fernsehserien als auch Filme. Zu seinen bekanntesten Werken zählen die Musik für die erfolgreichen Serien „Mannix“ (1967–1972) und „Mission: Impossible“ (1969–1972). Darüber hinaus war er an der musikalischen Gestaltung zahlreicher weiterer Produktionen beteiligt.
Begehrter Arrangeur und Arrangeur
Neben seiner Tätigkeit als Komponist war Hazard ein hoch angesehener Arrangeur, der mit vielen bekannten Künstlern zusammenarbeitete.
Anerkennung und Auszeichnungen
Richard Hazards herausragende Beiträge zur Musik wurden mit zahlreichen Preisen gewürdigt. Insbesondere seine Arbeit an den Seifenopern „The Guiding Light“ und „Another World“ brachte ihm mehrere Daytime Emmy Awards ein.
Er arrangierte die Musik und dirigierte das Orchester auf Mahalia Jacksons Album.
„My Faith“ CBS 1967.
“I Believe!“ 1960
Irving Townsend
Orchestra And Chorus / Johnny Williams
Featuring Mildred Falls
“The Power And The Glory“ 1960
Irving Townsend
Orchester And Choir Percy Faith
“Every Time I Feel The Spirit! 1961
Orchestra And Chorus / Johnny Williams
Faeturing Mildred Falls
”Great Songs Of Love And Faith“ 1962
Orchestra And Chorus / Johnny Williams
“Songs For Christmas“. 1962
Different album covers
“Silent Night“Composer, Lyricist: P. Brooks
Composer, Lyricist: Lewis H. RednerAssociated
Performer: Johnny Williams
Producer: Irving Townsend
“Let´s Pray Together“ 1963
Producer: Irving Townsend
Conductor, Arranger: Marty Paich
“Make A Joyful Noise Unto The Lord“ 1963
Irving Townsend (Produzent)
“Garden Of Prayer“ 1966
Not really an orchestra album
Irving Townsend
Composer: Paul Francis Webster
Composer: Marty Paich
“My Faith“ 1967
Irving Townsend (Produzent)
Richard Hazard (Arrangement and conductor)
Orchestra Contucted by Eward Robinson
Chorus under the direction of Thurston Frazier
“A Mighty Fortress“ 1968
Conductor, Arranger: Marty Paich
Producer: Irving Townsend
“What The World Needs Now“ 1969
Irving Townsend
Arranged And Conducted by H.B Barnum
©Thilo Plaesser